无边—王璜生作品展将于湖北美术馆展出

由湖北美术馆、中央美术学院美术馆联合主办，冯博一策划的“无边——王璜生作品（2009-2013）”展览，是王璜生继2012年在北京“后雅兴”和2013年在德国柏林“游·象”展览之后的又一次大型个展，在湖北美术馆的3、4、5、6号展厅中，共展出了2009至2013年期间创作的水墨、装置与影像作品50余件/组。

以“无边”为题目的这次展览，通过黑、白、灰三个展示空间的并置，既是艺术家王璜生在这一阶段创作、思考、判断的集中呈现，也意味着他的创作处于实验的探索过程，对艺术的态度始终在于“无边”和“游走”之中。王璜生的实验水墨创作，针对的是个人艺术的诗性浪漫与现实处境的无限冲突的现象，而他试图要在这一紧张的互为关系中，寻求一种转化和间离的视觉张力，由此构成了这次展览“隔空”、“介入”、“居间”三个单元主题。线与线的环绕、交叉、纠缠，游走，没有起点也没有终点；对新闻报纸的介入式遮蔽而形成的互为图像，是对媒体意识形态承载的颠覆与拆解；在有形与无形、虚与实，以及光与影的碎片化结构和场境中，成为了一种个人对现实生存实在属性的感触，如同在这些作品之间的临界点上游移，及如影随行的漂浮一般，没有边际。

一、隔空

通过缠绕的线体表露一种内心隐秘性的倾诉，构成画面的整体结构仿佛是一种多声部的合奏式基调，或者说是围绕着同一种心绪的共鸣曲。而现成品的铁丝网造成的影像，使锐利、防卫、伤害的清晰实体变成似幻的如影随形，这种重影与真实形态的叠加、游移，拓展了冲突的容量，产生了一种“隔空”变幻。

二、介入

从看与被看位置的位移，自然对具有“影响的焦虑”图像有所凭附。旋转的线条、笔触、色斑覆盖在原有的图文之上。这种对原文本的“介入”方式，意味着主动的改变，使观者必须绕过笔道儿，才能窥见原本的“真相”。这是在“互为图像”关系上的纠缠与遮盖，也是对原有创作意识和表述方式的再处理，生发出一种新的遣词空间，抑或也是一种“新叙事”或“反叙事”尝试。

三、居间

在图像处理上，王璜生进行了一系列视觉张力的设置。这种张力并非只是体现在墨荷、缠枝、向日葵等某个自然物象、景致之中，而是给予整个画面一种饱和的视域中，也是他在由传统水墨艺术向多媒介方式实验、演绎的“居间”过程。

展览“无边”是王璜生自2006年在中国美术馆和广东美术馆举办个人展览之后，再次在公共美术馆举办个展。对于艺术家王璜生来说，艺术创作的“无边”，这属于艺术家的思考、观念与实践。而对于公众来讲，“无边”却可能被理解为王璜生的多重身份，包括美术馆馆长、艺术家、策展人、学者，以及他跨界艺术工作如水墨、装置、影像等的综合呈现。

作为美术馆馆长的王璜生，在担任广东美术馆馆长和中央美术学院美术馆馆长期间，着力于美术馆在学术建设、知识生产、体制建构、制度规范、社会拓展与服务等方面的努力，得到业界的普遍关注和认可。

作为艺术家的王璜生，坚持着自己的观察、思考及艺术实验，这个展览展示了他近年来在多个艺术领域的探索和实践，同时也呈现了兼具馆长身份的艺术家如何思考艺术，如何多样地推进自己的艺术创作和实验理念，进而丰富着作为美术馆馆长的内涵。

作为学者和策展人的王璜生，由南京艺术学院美术史博士毕业，多年从事美术史论及美术馆理论的研究，不仅出版了《中国绘画艺术专史：山水卷》、《作为知识生产的美术馆》等专著，先后主编《美术馆》、《大学与美术馆》等学术刊物，还创办和策划了“广州三年展”、“广州摄影双年展”、“CAFAM泛主题展”、“CAFAM未来展”等具有重大影响的展事，这些都投射了他对美术馆建设与发展的经验、理念和思考，同时也说明美术馆的专业性不仅来自于学术的奠基和拓展，更是一个学术操练和知识生产的过程。

因此，我们可以带着“无边”的期待，走进“无边——王璜生作品（2009-2013）”展览，走近王璜生。

关于艺术家

王璜生的实验性艺术创作，针对的是个人艺术诗意与现实处境的无限冲突，而他在这一扣连的依存关系里，通过多媒介的方式寻求着一种视觉转化和间离效果。线与线的环绕、交叉、纠缠，没有边际；对新闻报纸的介入式遮蔽，形成的互为图像是对媒体承载的意识形态的颠覆与消解；在有形与无形、虚与实，以及光与影的碎片化结构中，成为个人对现实生存实在属性的感触，如同在他这些作品之间的临界点上，游移与如影随行的漂浮一般。由此构成了这次以“无边”为主题，黑、白、灰三个展示空间并置，和以“隔空、介入、居间”三个单元的主题性展览。这是王璜生继2012年在北京“后雅兴”和2013年在德国“游·象”展览之后的又一次大型个展。这既是他在这一阶段创作的集中呈现，也意味着其创作处于实验的探索过程，以及对艺术态度始终处于“无边”的抽离与延伸之中。

王璜生从2009年开始创作的“线索系列”到2011年的“游·象系列”作品，好像不能简单地从他以往作品的具象到抽象变化来进行评介，而是要以他面对复杂的生存境遇方面给予阐释。在我看来，尽管王璜生始终对水墨艺术有着难以割舍的情结，但这次展览的一些作品，并非仅仅专注于水墨的艺术语言方式，而是通过缠绕的线体表露一种内心隐秘性的倾诉，从而使画面的整体结构是一种多声部的合奏式基调，或者说是围绕着同一种心绪的多声共鸣曲。因为，他的实验水墨创作，正是由他生存处境和态度所决定的，并强化了对现实的无奈和无限矛盾。仿佛被裹狭在其中的我们，都融入一个现实所处无法把握，甚至尴尬的境地。

除了这种内心的叙述话语，以及多声部共鸣的复调式结构之外，王璜生的艺术还在于他图像处理上进行的一系列视觉张力的设置。这种张力并非只是体现在墨荷、缠枝、向日葵等某个自然物象、景致之中，而是使整个画面处在一种饱和的视域中，也是他在由水墨艺术向多媒介方式演绎的“居间”的过程。他有意打乱了结构的次序，把它切割成无数的碎片，然后在斑驳背景上痕迹的连接，在真实中引进梦幻，并随着它们伫立、摇弋和魅惑的姿态，无疑为他艺术表现的内心上，提供了广阔而又深邃的背景，提供了一种沉郁、惆怅的神秘。而这种神秘的振颤，铺垫了视觉主干的质地，达到了真实和表现产生的间隔与交杂。而现成品的铁丝网构成的影像，使锐利、防卫、伤害的清晰实体变成似幻的如影随形，这种重影与真实形态的叠加，拓展了冲突的容量，产生了一种“隔空”变幻。这是一种相互关系的吸附，或许还是日常工作的繁杂琐碎，抑或烦闷的情绪导致了“守望星辰”时，灵魂出窍般地“游走”过程的心理踪迹。

王璜生在“报纸”系列作品所选择的方式，是将现成品《南方周末》、《参考消息》等报纸媒体进行“处理”。这些报纸都是伴随着我们关注社会，了解现实信息资源，并与我们日常生活密切相关。从看与被看位置的位移，自然对具有“影响的焦虑”图像有所凭附。旋转的线条、笔触、色斑覆盖在原有的图文之上。这种对原文本的“介入”，意味着主动的改变，观者必须绕过他的笔道儿，才能窥见原本的“真相”。但吊诡的是报纸媒体的内容未必是客观的，那么如何选择“原图”和“笔道儿”就是他主观、人为把握的“介入”结果，使这些被“介入”的作品，将两种图像予以纠缠与掩盖，从而产生出一种新的遣词空间，是在“互为图像”的关系上对原有创作意识和表述方式的再处理，抑或也是一种“新叙事”或“反叙事”尝试。也许当今的社会变化太快，科技发达的已超乎我们的想象，电脑的普及和对真实文字、图像无所不能的“处理”，使我们离“本原”愈来愈远，真实的本质被各种各样的“处理”所扭曲。

实际上，所谓新闻报纸的“真实与客观”都带有那个阶段文化特征及意识形态，文字与图像只不过是其中的符号象征罢了。所以，与其说王璜生是在处理这些媒体，不如说这是他有意带有一种实验性的破坏，也是拼贴与建构性的尝试，使这些熟悉的内容陌生化，以控制观者的期待，让观者体味到经过处理的新作品所产生的惊奇，以及摆脱原有传播之后的自由。这种态度不仅是个人的，其实也是差不多是我们大家共同的。时代和社会当然是大手笔，几乎没有谁能够躲避和拒绝这种强加，我们只好按照时代和社会的规定性成长。或许只要把握住了介入性处理，便能够更好地认清背后的意图，从而使我们能更加清楚地认知事物的本质。

而支撑王璜生实验的观念，除了不愿将已固定化了的风格样式一直延续下去之外，其实是与他的对现实、对艺术本身的思考是一脉相承的。对当代文化境遇的思考和敏锐，将导致对旧有艺术形式在方法论上的改造，而艺术家需要用一种规定为“艺术”的方法来体现这种思想和观念。从而也提供了我解读他艺术创作的另一条线索。